LA DEMOTHEQUE #1
LA DEMOTHEQUE #2

LALI PUNA
I thought i was over that rare, remixed et B-sides
(Morr music/La Baleine)
A considérer la somme d'inédits, de remixes et de raretés ici collectés, il semblait impérieux d'élever un autel à ces compositions confidentielles, sous la forme d'une petite anthologie. Un exercice de style qui aurait pu passer pour un fourre-tout désœuvré, s'il ne s'agissait de Lali Puna. Cet album consiste en la réunion des divers maxis sortis au fil des années ainsi que des remixes effectués par le quatuor auprès de formations telles que Boom Bip, Two Lone Swordsmen, To Rococo Rot, Thomas Leboeg… Comme au premier ep, la fragilité et les incantations cristallines de leurs mélodies nous enveloppent d'une douceur diffuse, d'une délicatesse diluée. Les quelques inédits ont gardé cette fraîcheur pop insolente, qui sied si bien aux jeunes femmes de caractère. Comme si personne n'osait troubler le sommeil éveillé de leurs compositions, les remixes pourtant signé d'armateurs du rythme anglo-saxon et américain (Dntel, Sixtoo, Boom Bip), sont emprunt d'une recherche constante de sensibilité, d'un accompagnement dans la douceur.. Des cadences corrodées, émoussées en leurs angles, qui bercent la douce fragilité de la voix marneuse de Valérie. A de rares exceptions ce pacte est brisé, sans pourtant froisser la cohérence et l'intégrité du disque. Un album qui semble au départ réservé au pré carré de fans mais qui au final est une très belle parabole sur l'ouverture d'esprit spirituelle et musicale recherchée par tout un chacun. Intéressant et envoûtant.

BEYRENS/ HEYDUCK
Plastic Metal
(Antifrost/ Metamkine)
La rencontre de Marc Behrens et Nikolaus Heyduck était semble-t'il inévitable ; les 2 artistes allemands, spécialisés dans les installations vidéos et sonores ont à l'orée 2000 réalisé à quel point leurs démarches artistiques se nourrissaient de similarités techniques, notamment dans l'utilisation systématique de certains types de matériaux, depuis les sacs plastiques aux bulles de conditionnements en passant par les emballages aluminium ou plastiques de chocolats, médicaments ou jouets, notamment.. Ainsi depuis 2000 les 2 musiciens confrontent leurs points de vue au détour de rencontres ou de performances, où l'un des musiciens était convié à envahir l'univers de l'autre. Comme par exemple, ce carton rempli de plastique filmé de l'intérieur par une caméra fixe, munie de micro-capteurs saisissant la mélodie indicible du plastique ; Les compositions autour du métal étant basées sur l'anecdote d'un cello en cours d'oxydation, émettant des sonorités curieuses et singulières. Ces 2 compositions, dans une pure démarche électro-acoustique stimulent selon les matériaux employés notre imaginaire et nos affects. Le besoin de confronter expériences plastiques et sonores (re)devient le lieu de nouvelles attentions, dans lequel aiment à se perdre nombres d'artistes depuis Moslang à Marclay Lericolais à Behrens ou Roden. Le tout étant de savoir lequel des 2 arts est la réelle excroissance de l'autre. Même si l'écoute de ce disque est ardue, elle attisera nécessairement la curiosité des amateurs de transversalité artistique. Une exploration en règle de la matière.

VARIOUS ARTIST -40
(Cocosolidcity/ Cargo UK)
Nous ne louerons jamais assez les initiatives de labels tels que Cocosolid City qui viennent confronter avec bonheur des univers et des mondes en apparences inconciliables, mais qui pourtant s'enchevêtrent avec une délicatesse inouïe. Le projet paraît sur le papier un peu fou, presque irréalisable. Composé d'un Cd et d'un DVD, le cocosolid city team, en collaboration avec le National Film Board of Canada (Centre national du film canadien) a convié dans un premier temps un parterre de musiciens en provenance des sphères électroniques à surimposer leurs compositions sur des séquences choisies de films de propagande des années 40' de l'armée canadienne. Au-delà du témoignage historique et politique de ces films en noir et blanc, l'intérêt tient également à une réelle qualité esthétique sur laquelle viennent se fondre intelligemment les compositions. Des musiciens, au nombre desquels on compte, Akufen, Venetian Snares, Knifehandchop, Deadbeat, Secret Mommy, DMC World Champion ou Lowfish qui distillent sur les membranes fines des pellicules les harmonies dissonantes, les euphonies rythmiques qu'on leur connaît, depuis les climats décérébrés et sauvagement rythmiques de Venetians Snares aux ambiances horizontales et limpides de Secret Mommy. Les films ici projetés traitent de chars en position d'attaque, de batailles, des blessures de guerres, de scènes surréalistes comme ses soldats totalement défigurés écoutant sagement un concerto pour piano. La force du projet leur rend d'ailleurs un profond hommage. Le second temps est la partie cachée de ce Volte Face, apostrophe des artistes vidéastes à retravailler dans une forme contemporaine et personnaliser ces images d'archives, à les remixer ( à l'aide d'outils technologiques avancés) et ce, en conservant les bandes sons d'époque. Le résultat est impressionnant, mélange de cut-up digitaux, cadavres exquis optiques d'effets visuels divers. D'un outil de propagande finement huilé, on glisse avec élégance à un objet culturel, artistique, populaire et ludique (certains morceaux sont de potentiels hits électro-dancefloor) à même, avec le recul nécessaire de nous faire réfléchir aux manipulations economico-politiques, et aux maniements sociaux et raciaux engendrés par cette propagande. Excellent.

PHON.O burn down the town
(Shitkatapult/MdM live/ La Baleine)
L'histoire a pour point de départ les early 90', Berlin ouest l'amour des musiques électroniques, déviantes et dissonantes. Pendant quelques années, il va patiemment tester, assembler, réarranger ses goûts, au point de ne sortir qu'à l'orée 1998, sa première vraie production (exception faite du maxi sur Mumu en 1998) sur le label californien de Kid Clayton et DJ Jasper, Cytrax le bien nommé ; Un label où noise ,tendance dub lourd et scratch déviant se conjuguent ; Phon.o est donc la dernière progéniture à sortir du giron de Shitkatapult. Pas à proprement parler breakcore, la production de l'allemand est plus proche du panachage de genre, d'une esthétique Cross-Over où se superposent en strates les courants chauds et ascendants Lignée Prefuse 73/ Delasora et asora , énergie et fougue lignée Tigerbeat6 et amour de la déclinaison rythmique. Les références sont multiples mais n'altèrent aucunement la belle intégrité de l'ensemble. Phon.o semble bien maîtriser la structure d'ensemble, laissant de côté les rêveries atmosphériques et autres tentations ambiantes qu'on pouvait déceler chez ses compères de chambrée pour concentrer sa démarche (au sens propre comme au sens figuré) sur la seule chose qui compte visiblement à ses yeux (à nos oreilles) : l'action pure ! Totalement conseillé !

SHIPPING NEWS Flies the fields
(Touch & go/ Chronowax)
Le trio emmené par Jeff Mueller (June of 44) ,Jason Noble (Rachel's) et Kyle Crabtree (Eleven Eleven)a muté en quatuor avec l'arrivée de Todd Cook [The for carnation, Parlour] à l'occasion de ce 4ème album, Flies the fields. Une superbe pièce de rock contemporain qui vient noircir nos platines de sa belle obscurité. La relation qu'entretient le groupe avec sa musique et par effet d'écho avec son public est un rapport de tension contenue, de dangers constants qui embrasse un certain nombre de termes, depuis la dépendance, l'émerveillement, l'admiration, la colère ou la [provocante] stupeur. Nombres de lecteurs ont été séduit par cette vague Chicagoanne qui toucha par le passé nos côtes (vers 1995) entraînant dans son flux, reflux, et panache d'écume des entités telles que Tortoise, Isotope 217, Ganger, Pullman, The For Carnation, june of 44 . La lassitude ou le manque d'étonnement ont peut être détérioré quelque peu la curiosité de l'auditeur. Pourtant, ce serait crime de passer à côté de ce Flies the field. La belle assiduité avec laquelle ce quatuor dénature les poncifs mélodiques et rythmiques est jouissive, dégainant ici un jeu de batterie complexe, amarrant là de belles envolées d'arpèges. La voix est présente mais sait se voiler pour laisser place à des mélodies entêtantes, quelquefois hypnotiques à la rythmique ciselée. Dans le prolongement d'un June Of 44, Slint ou Karaté. La Musique de Shipping New a beau ne pas être un long fleuve tranquille, elle semble pourtant posséder la même structuration que l'eau, ondoyant et se mouvant avec la même aisance et la même grâce.

HITCHCOCKGOHOME !
Yes, you're Dead
(Drunk Dog/ Chronowax)
Sous cet étrange nom de scène se cachent 3 grenoblois qui ont heureusement décidé de ne pas suivre les pas des artistes du cru ( Les Charts, MichelFugain, CaloGero). Après un premier faux pas, et l'enterrement d'une première formation, le trio, à présent parisien décide de s'atteler à la création d'un nouvel album. Ça sera Yes, you're dead. L'excellent label Drunkdog lui offre le gîte et le couvert, comme par le passé il l'avait fait avec Whopper et Porcelain. Yes, you're Dead est une succession de court métrages folk onirique et d'instantané Post-rock. Il invoque au fil de ses neuf compositions, soutenues par la voix sombre de Martin, la quintessence d'une folk nourrie de country, de musique intimiste, d'amertume post-rock , de gestes pop d'une grâce infinie et de soubresauts rock. C'est l'inventivité et la finesse d'écriture qui gouvernent cet album, laissant volontiers les écueils se briser sur sa proue. On navigue au large de l'Irlande sur How to stop it now, on fait une halte dans la Bretagne de Tiersen sur Blank, on flotte au-dessus des prairies de Silver Mt Zion/Rachel's sur night falls, etc… Un grisant voyage en terre étrangère et pourtant si familière. Cet album a la beauté du dépaysement.

Peter REHBERG Fremdkoerper
( Mosz/ Metamkine/Wave)
L'apport de Peter Rheberg (Pita) aux courants électroniques/expérimentaux, [même s'il s'inscrit dans une lente tradition], au travers de ses performances, installations ou travaux sonores de studio est d'une importance cruciale, équivalente à celle d'un Sonic Youth/ Glen Branca pour la scène rock New-Yorkaise des débuts 80'. Bien qu'il reste confiné à une sphère restreinte d'auditeur, il a contribué, via ses différentes collaborations ( Pop avec Karkowski/ MIMEO/ en duo avec Bauer/ DACM) ; au sein du label MEGO qu'il co-dirige ou plus prosaïquement au fil de ses rencontres (Yoshihide, O'Rourke, Fennesz, Keith Rowe, General Magic, AMM, Sonic Youth, Tujiko Noriko, Mika Vainio, Tina Franck, Marcus Schmilckler, Jerome Noetinger, etc…) a façonner une image jusqu'au boutiste de l'électronique, armateur d'un son (volontairement) crade et digital (et intelligent) comme d'aucun savent le concevoir. Les labels sur lesquels il a enregistré parlent d'eux-mêmes, au hasard ; Mego, Touch, Source, Raft rec., Mosz, erstwhile, Asphodel, Alku, Grob, Serpentine Gallery, Hapna… Ici, Peter Rehberg met en musique un ballet Chorégraphique dirigé par Chris Haring. Loin d'être novice en la matière, il a précédemment ordonné la bande originale d'une compagnie (sorti sur DACM ) et ce, en 2001(Showroom Dummies) et 2003 (Stereotypie) en collaboration avec Tujiko Nuriko (pour ce dernier) ainsi que divers travaux pour Meg Stuart ou Gisèle Vienne. L'homme aime visiblement ces collaborations croisées avec les médians de la danse, sa musique semblant se prêter avec intelligence aux différentes distorsions et contorsions du corps humain. Fremdkoeper est une lente désagrégation qui commence dans le confinement des micros par des vagues successives et discrètes de bourdonnements numériques puis dès le second morceaux Scream, on retrouve, mêlé à des harmonies le travail sonore traditionnel du musicien, malstrom urbains, disruptifs, quelquefois répétitifs (à la Riley), violent et tellement humain. La suite de l'album alterne entre ces deux postures (calme et intempérie) dans un jeu d'équilibriste. Dans la pièce de Haring, il est question d'aliénation au sens physique du terme. Une atmosphère idéale aux climats torturés, drones assourdissants de l'autrichien. Une pièce unique, forcément amputée du fait de l'absence d'un support visuel mais qui pourtant trouve dans ses lentes modulations atmosphériques douloureuses une énergie interne prompt à le mouvoir et à nous émouvoir (dans le sens déstabilisant du terme). Sa pièce la plus mélodique, au demeurant…

FINN the Ayes will have it
(Sunday Service/ La Baleine)
La pochette sobrement naïve, illustre le regard d'un enfant aux yeux disproportionnés, le visage environné d'obscurité. Voilà d'une image résumée la musique de Finn, compositions simple et sombres. La douce familiarité de cette musique est à porter au crédit de Patrick Zimmer, membre unique de Finn. Une musique sobre et narrative, rêveries douces et brumeuses dont le chant haut perché par effets nous élève. The ayes will have it est son second album, faisant suite a expose yourself to lower education. Ce disque trouve un équilibre délicieux entre timbre charnel et éthéré, nappes fluctuantes de mélodies folk entêtantes, esprit malade de synthétiseurs. En apparence, ça a le goût et l'aspect du folk, mais ça n'en est pas ; il s'agit bien davantage d'une forme minimaliste, épurée ou " romantique " d'improvisation en solitaire. Une introspection expérimentale sur le mode doux. Les affinités avec Sébastien Shuller (et pas que la pochette), Sigur Ros, Radiohead, voire the Notwist sont perceptibles.. Un très beau moment.

STEAMBOAT SWITZERLAND
Wertmüller
(GROB/ Metamkine/Jussieu Musique)
Constitué dans un équilibre hautement biblique d'un trio où figure, Dominik Blum (Organiste) Marion Pliakas (basse électronique) et Lucas Niggli (Batterie), cette formation Helvétique (comme leur nom l'indique) est affiliée à une scène Post Progressive rock / Post Death Metal, (Alboth !, es-tu là ?) même si ça ne signifie pas grand chose, puisque ici, il est davantage question de curiosité, d'inventivité et d'expérimentations in fine. Faisant suite à Budapest etac/dB [Hayden] sortie 4 ans auparavant et après plus d'une centaine de concerts, le Steamboat Switzerland a posé ses valises, concluant à nouveau, sans doute par fidélité plus que par patriotisme avec le label suisse et exigeant GROB.( et non pas 12K, comme pourrait le laisser croire la pochette) Beaucoup d'évolutions et de variations ponctuent ce troisième volet, Wertmüller , une guitare sèche a remplacé la basse, le piano surgissant là où on attendait des orgues…bref, Steamboat Switzerland n'est pas venu pour dormir sur ses lauriers. Venons en au thème du disque. Construit comme une succession de cycles à venir, où un artiste se plie à la composition, c'est, pour ce premier volume, Michael Wertmüller, batteur de son état (GROB 545) qui dirige l'écriture.A cela viennent s'adjoindre 5 poèmes du poète Michael Lenz, récités pour l'occasion par Daniel Lieder, du combo Alboth ! (tiens donc…) Une musique rêche et vivante, lumineuse et lourde, sans parure ni décoration pour des compositions en mouvement perpétuel, dynamiques, aléatoires. Difficile de cibler le genre, étonnante lave en constante mutation, renouvellement, changeant de peau, de directions. On pense à des formations free rock des années 70', à Alboth, justement, à Ron Anderson et ses Ruins, à Blind Idiot God, à Fantômas On est pris dans les tonnerres et grondements des fûts, dans la belle clarté des lignes de guitares. Une ère post- Einsturzenden Neubaten / Borbotemagus A découvrir !

IMAGHO

someone controls electric guitar
Hitomi/ www.hitomirecordings
Une belle rencontre que voilà, celle de la jeune structure Hitomi à la ligne graphique, esthétique et musicale irréprochable, et Jean Louis Prades, sans doute un des guitaristes français les plus talentueux (et donc mésestimé) de sa génération. Jean louis Prades a mené bien des batailles sur les champs de guerre de la noise et de l'expérimental (Baka !), de l'émo-core (Sketches of Pain), sur les ruines fumantes de la manipulation informatique (Laptop/frzz) ou encore en duo en compagnie de Fragile (un Ombres hombres magnifique) L'attachement qu'on lui porte, ce qui fait la grandeur de ses compositions et de son phrasé musical n'est pas à rechercher dans une technique savante ou dans l'examen et la pratique de structures alambiquées ; bien au contraire, ce qui fonde l'estime et l'intérêt de son jeu relève bien davantage de ce souci d'économie, de sobriété dans les accords et harmonies. La frugalité des notes dispensées, la pondération des effets laissent alors les fils du silence et de la mélodie s'entrelacer, se frôler, quelque part entre contact véritable et effleurement contenu. Someone control electric guitar en est le phénomène sonore, le magnifique fruit. Plus encore que sur Image des mondes flottants, Jean Louis Prades se reclue volontairement dans cette posture monacale, loin des bouleversements et des modes, préférant fermer les yeux sur le monde en ouvrant son esprit. L'emploi du laptop et des traitements associés vient ici approfondir la texture et les détails en filigrane du jeu de guitare semi directif- semi-improvisé d'Imagho, pointant, à la manière d'un stéthoscope le fleuve endormi des micros textures sous-jacentes. Finalement, lorsqu'on plonge dans ses compositions, nul besoin d'autres rythmes que ceux de nos tempes et de notre cœur. On pense dès les premier temps du disque à Brian Eno, dont la présence auréole les nappes synthétiques puis on chemine aux côtés de Bill Frisell, à Christian Fennesz , aux premiers temps de Taku Sugimoto, à Rafael Toral également, pour la sobriété et la limpidité , l'érudition, peut-être aussi. Un grand monsieur pour un très grand album.

PEDRO
early Pedro
(Melodic/La Baleine)
A tous ceux qui auront découvert sur le tard l'œuvre de PEDRO, nous est offert l'opportunité d'un mea culpa. Une rétrospective (déjà) des premiers ep et des raretés disséminées sur une foisonnante et passionnante quantité de labels. Malgré les disparités de façade (certains titres ayant plusieurs années d'écart), il faut bien admettre que la musique de Pedro est une source prodigue d'où jaillissent des compositions personnelles et contenues. A la manière d'un Tommy Guerrero, avec lequel les points de concordances sont nombreux, ses mélodies ont une chaleur immanente, une douceur intrinsèque diffusant inlassablement ses accords et harmonies de guitare (pour l'essentiel) dans un crescendo très pondéré, envoûtant, économe en frasque musical. Ce qui fonde le charme de cette musique, c'est cette alliance un peu imparfaite mais hautement humaine de Blues, de folk pastorale, de beat down tempo façon Mo Wax et d'une certaine forme de soul urbaine contemporaine. Un très bel album, une nouvelle fois l'œuvre de mélodic !Et que cela vous intime d'aller jeter une oreille curieuse du coté des micro-labels et autres structures qui défendent depuis toujours le pluralisme créatif (allez, je vous aide, Meridians ).

ROTHKO AND CAROLINE ROSS
a place between
(Lo rec/ La Baleine)
Voila bientôt quatre années que Rothko avait adopté un silence monastique, une longue retraite [exception faite de titres épars sur Arbouse ] qui adoptait l'apparence d'un exil. Pourtant, de même que dans toute absence il y a une déchirure, l'émotion de retrouver cette formation aura balayée d'un revers cette période de quiétude. Issu d'une époque où l'électronica prenait tout juste son envol où l'émergence de groupes tels que To Roccoco Rot, snd. ou Isan marquait les esprits par le détachement Pop qui émaillait leur format électronique., Rothko avait à l'époque su se montrer à la hauteur du peintre dont ils pervertissaient le nom, appliquant dans une déclinaison musicale, les effets d'ondes, de transition, la chaleur des teintes et des éléments chromatiques sur fond d'électronique apaisée. A place between, marque un retour, une renaissance sous la forme d'un duo avec Caroline Ross. L'horizon est totalement dégagé, les climats sont limpides, opalescents, l'emploi des guitares n'y est pas étranger, exposant leurs arpèges avec une parcimonie somptueuse, laissant les silences et les lentes ondes synthétiques sertir leurs pensées. Dans cette atmosphère éthérée, la voix de Caroline Ross vient appuyer sans marquer les ambiances ; elle accompagne, suggère de nouvelles hypothèses, laissant osciller son timbre au long des flux et reflux de la mélodie. On est conqui dès le premier titre, passant d'un champ d'émotion à l'autre, d'une belle quiétude à de fragiles angoisses. Sans doute pas totalement en communion avec la période estivale qui se profile à l'horizon, A place between n'en demeure pas moins un sublime plaidoyer à l'ivresse nocturne et aux firmaments étoilés.

GALAKTLAN Constance
(Kohvirecords/ Meridians)
www.kohvirecords.ee
Nous n'attendrons pas la lointaine intégration à la communauté européenne d'un des 3 anciens satellites baltes de l'ex-URSS, l'Estonie, pour ne pas la nommer pour s'intéresser au sort de son activisme culturel. Kohvirecords, dont nous vous avions précédemment fait l'article au détour de la sortie de Pastacas revient au devant de la scène internationale (indépendante) avec Constance, émanation électronique de l'artiste Taavi Laatsit/ Galaktan. Ce dernier œuvre depuis 1997 à faire émerger sa vision intime de la musique électronique, en appliquant avec intelligence ses particularismes culturels et ses représentations de l'enfance un peu décalée. Constance, c'est Constance Bonacieux, le d'Artagnan des 3 mousquetaires. Un héros littéraire né de la main d'Alexandre Dumas et qui trouve une seconde vie dans cet album, souvenir heureux de l'enfance de Laatsit, où le film, tiré du roman fit rêver une génération de jeunes russes sur fond de combats héroïques à l'épée. A la révérence à ce film vient s'adjoindre celle de Robin des bois (avec Olivia de Havilland et Erold Flynn )et le dessin animé soviétique Zolnushka dont on retrouve des samples épars au fil de l'écoute. Il faut sans doute écouter ce disque avec le regard nostalgique d'un enfant en quête des moments heureux de sa jeunesse, une madeleine de Proust sonore, en quelque sorte. Rien d'étonnant, en fait, à voir tant de séquences extraites du 7ème Art, lorsqu'on connaît l'attachement de taavi Laatsit pour le cinéma, puisqu'il a par le passé réalisé 7 bandes originales à destination de courts-métrages. L'album, pour " électronique " qu'il soit, reste chargé d'une texture légère de sonorités distordues, de climats étonnants, une multitude de détails et de samples filmographiques qui ajoute un décorum unique à cette trame électronique hypnotique. Quelque part entre Hans Happleqvist pour l'amour du 7ème art et plus proche de nous, Motion ou M83 pour la chatoyante beauté des textures et des climats. Un splendide voyage onirique

FREIBAND/ BOCA RATON
Product (Cronica/ Import)
Heimir BJORGULFSSON/ Jonas OHLSSON
King Glitch (Cronica/ Import)
www.cronicaelectronica.org 2 nouveaux albums viennent enrichir le panorama électro-acoustique du label Cronica qui consomme une nouvelle fois son appétit pour les collaborations croisées. 5ème production au banc d'essai des Product series, le duo Freiband/ Boca Raton est constitué pour sa partie droite de Frans De Waard qui présente ici la dernière émanation en date de son esprit Schizophrène, FREIBAND. Débuté en 2001, ce side project aux travaux de GOEM, ou de MIMEO a déjà sorti 3 albums et plus récemment une contribution pour le label Cocosolid city. Enregistré pour partie en session live au Muziekcentrum et à l'Errational courant 2004, Replay, est une extrapolation de l'album Microbes sans en être une réinterprétation. Texture, Volume, Flux et reflux et espace temps,voici la marque de fabrique du sieur de Waard où la sensation prend fréquemment le pas sur la réflexion. Une esthétique coincée quelque part entre une hypothèse post-industrielle et environnementale où de lentes nappes de grésillements submergent peu à peu l'auditeur. Une profonde et paisible apnée, totalement envoûtante. Martin Tellinga /Boca Raton pour sa part, a débuté son projet 16 ans auparavant, disséquant et ré-assemblant depuis cette époque sons concrets/acoustiques et éléments synthétiques pour une réflexion mêlant sons naturels et créations artificielles plus abruptes que son co-listier (dans l'esprit d'un Björgfulsson). Bien moins porté sur les ciselures sonores et autres détails fragiles du tympan, King Glitch est l'hérétique progéniture du duo Islando-Suédois composé de Björgulfsson et Ohlsson. Hérétique dans la mesure, où il donne, au détour de ce projet une forme " structurée et mélodique " à leurs pulsions sonores ( dansantes !) , un essor à leur tendance hédoniste, un appétit certain pour la destruction qui prend ici les atours d'une sorte de minimale techno claudicante, ponctué de sonorités annexes. Pourtant, loin de cette frange techno, le propos est principalement à l'excentricité, à la débauche surréaliste, comme un pendant musical de l'univers Gonzo d'un (Feu) Hunter S Thompson. La dérive free n'est jamais loin est nous entraîne dans des climats versatiles, tendus ou apaisés, virevoltants ou horizontaux… On ne s'attendait pas à moins d'éclectisme de la part de Heimir Björgulfsson, plongé depuis nombre d'années dans une réflexion autour de la dichotomie sons naturels/ sons digitaux, tiers de Stilluppsteypa (près de 20 albums) , Vacuum boys ou en solo (7 albums) et accessoirement boss du très pointu label FIRE INC. Jonas Ohlsson, quand à lui à un parcours plus discret, avec quelques enregistrements de ci-delà pour Staalplaat et ReR. Fans de Whitehouse, residents, Zoviet France ou Smersh, il a su pervertir son amour de la musique post-industrielle à ses goûts plus récents. Les 2 hommes ont par le passé déjà collaboré, en 2001 sur Staalplaat (Unspoken Word Tour) et en 2003 sur Botrop Boy ( Fur Your bears only) Un vrai grand moment d'hallucination rythmique pour 2 musiciens qui nous avaient pourtant par le passé habitués à un certain ascétisme dans la création.

BOY ROBOT rotten cocktails
(Boy robots/city Centre Offices/ La Baleine)
La fronde rythmico électronique est ici à l'honneur de cette nouvelle production CCO ; le label fidèle à son esthétique et à sa sensibilité ouverte, laisse fréquemment son instinct guider ses choix, privilégiant une vision large de la sphère électronique, depuis ses atermoiements mélodiques, jazzy ou comme c'est le cas ici rythmico-hédoniste. Boy Robot pratique le rythme, le manipule, le transforme, lui inflige maints supplices en vue de l'acclimater à sa conception personnelle. Rotten cocktails est ainsi une belle épreuve de force, un exercice de style autour du dancefloor. Pourtant, loin d'une revue de détails des éléments spécifiques du genre (couches de nappes, fragmentation de rythmes) Boy Robot adopte une certaine tempérance au long de ces 9 titres aux noms évocateurs ( Magic toys for girls and boys/ bass & booze/asthmatic detroit car/bonjour Frisur/ invaders of vanity clubland/ we accept all our parents Credit cards…) . Bien sur, l'originalité n'est pas la première des vertus de ce disque, mais il recèle bien d'autres trésors… on se surprend d'ailleurs à monter le volume et à taper du pied à de fréquentes reprises. Let's dance !!!

BURN TO SHINE WASHINGTON DC 01.14.2004
(TRIXIES DVD/ SOUTHERN)
Dans une pure logique de beauté et d'éphémère, Burn To shine vient illuminer le temps de quelques heures nos iris et nos tympans. Initié par Brendan Canty, un des quatres cavaliers de l'apocalypse FUGAZI, ce projet, un DVD de lives, a pour lieu la proche périphérie de Washington, et pour cadre une maison destinée à la démolition dans laquelle durant quelques heures, une poignée de groupe vont se livrer à une performance, seuls, livrés à eux même, sans audience, avec comme seul spectateur, l'œil inquisiteur d'une caméra. Plus qu'un emplacement, la maison tient un rôle essentiel, donnant l'ambiance et l'atmosphère au lieu. Des prises live, sans fioriture ni overdubs, ni pré-enregistrement qui donne un tour sincère et unique à ces performances. Ce sont prêtés à l'exercice pour ce premier volet, The Evens (Ian Mc Kay/ ------- ) Garland of Hours, le très sincère Ted Leo armé de sa voix et d'une guitare, le chanteur loufoque de Weird War et leur No wave-p(f)unk géniale, les excellents Q and not U, French Toast, les mélancoliques Medication et le grand Bob Mould dont la voix n'a pas perdu une once de sa fébrilité depuis Sugar pour clore cette session où l'épilogue nous laisse entrevoir une dernière fois la maison en prise avec les flammes. Ce DVD est le premier d'une série à venir, ayant pour objectif de documenter les scènes locales, immortaliser à jamais les groupes et collectifs, souligner ou stigmatiser l'activisme et la ferveur d'une époque, et rendre un hommage vibrant au squat. C'est un chantier titanesque, qui s'apparente au mythe de Sisyphe, mais qui a et aura sans aucun doute une valeur historique et culturelle inestimable à terme. En attendant retournons nous noyer dans les limbes de ce hard-core-Pop rock indie irrévérencieux, intelligent et versatile. Excellente initiative, mais pouvait-on en attendre moins de monsieur Brendon Canty….

DOMOTIC
Ask for the Tiger
(Active Suspension/ chronowax)
Georges Clemenceau n'aura pas attendu Domotic pour sortir les griffes. Dans ce prolongement très indien de son dernier petit maxi 3 pouces (Smile Again), Domotic nous immerge une fois encore dans sa grande chevauchée éclectique. Une ruée vers l'Ouest où sont traversés à vive allure toute la palette des paysages musicaux, depuis l'électro débridée/bricolée, aux parties de folk énervée ou au rock pugnace. Visiblement, Stéphane Laporte n'a résolument pas choisi son camp, préférant une forme de bohème sonore, papillonnant de chapelle en chapelle depuis Bye Bye. Pourtant dans cet étrange circuit, il semble avoir mis dans chacun des ces genres beaucoup de lui-même et bien davantage de pop que sur son prédécent album, plus électronica. Le propos, loin d'être académique, invite l'auditeur à se libérer, à exprimer toutes les singularités de son caractère depuis la joie, le doute, la tristesse ou l'atermoiement, à la saudade [tristesse] (Animals are ugly and so am i/ there may be a tiger/ captain Forest word of advice, I hate you for ever, Tonsil/ not the movie you expected) Mélange de jeux vidéos, d'histoires doucement hallucinées (un raton laveur sataniste, un groupuscule anti 31 décembre) du rock FM, Donovan, le kraut-rock la noise..En somme un disque pop au sens large. La ferveur du jeune homme et la naïveté recherchée de sa musique finissent par avoir raison de notre torpeur. Dernier représentant d'une forme d'épicurisme et de joie de composer qui ne se prend pas au sérieux au sein du label Active Suspension, Domotic, avec Ask The Tiger est un vivier de bonheur et de ravissement mélodique. Parfait pour pérenniser l'été/ PLAY THIS RECORD LOUD !!!

KEITH BERRY
The Ear That sould To a Fish
(Crouton/Metamkine)
Véritablement noyé dans la sphère littéraire, à l'image du poisson qui orne sa pochette, Keith Berry à nourri sa culture et sa musique aux captivants écrits d'Aldous Huxley, Carlos Castenada, Lao Tzu ou Nietzsche , sustentant aussi sa démarche musicale de l'esthétique des poèmes Sufi de Shams-ud-din Muhammad Hafiz, Jala Al-din Rumi ou de la philosophie Wabi Sabi, Zen, Compositeur électronique Anglais, Keith Berry a forgé son habilité, sa sensibilité et son savoir -faire sur des labels tels que trente Oiseaux, Authorized Version ou Twenty Hertz. C'est ici Crouton , label qui a contribué à l'essor d'artistes et collectifs tels que Collection of colonies of bees, ou Jon Mueller qui met ici l'accent sur ce jeune musicien d'outre-manche S'appuyant sur des softwares similaires à certains musiciens contemporains (Akira Rabelais) Il développe une musique planante, atmosphérique et ambiante….. De cet amour pour la littérature, il aura transposé cet appétit pour la perception profonde de chaque chose, où l'ordonnancement des sons, comme celui des mots répond à une logique de sens. Une musique intelligente et subtile, réfléchie et spontanée de laquelle émane une belle fragilité extrême-orientale. L'usage d'instruments japonais n'étant sans doute pas étranger à l'affaire… Relaxant et posé.

WHY ?
Sanddollars, the EP
(Anticon/ Southern)
Why? Issu de Cloudhead/ reaching Quiet Reprend le joyeux chemin de croix (du moins pour les amateurs de Hip-hop d'Anticon) de son précédent opus Oaklandazulasylum, oubliant quelque peu les bricolages folk baroques à la Beck qui le maillaient pour voltiger dans les sphères d'un rock-folk éclairé et éminemment ciselé. Une gymnastique acrobatique, qui n'est pas sans rappeler les voltiges maîtrisées de Granddaddy, Beach Boys (Sanddollars), voire Belle & Sébastien Hymne's basement sur son confrère de Lex. Un essai lo-fi / indie mystifiant qui sur ce court format, revisite merveilleusement la musique pop-folk cote ouest de ces 30 dernières années. Excellent

KAMIDO
TU L'envol
(Dadbees)
www.deadbees.com
Le titre rappelle indistinctement un court métrage inédit de Godard, une oeuvre oubliée de Kundera ou que sais-je encore.. Pourtant cet Envol est bien l'objet d'un jeune homme, féru de design, de graphisme et de photographie (son site en témoigne)qui nous avait déjà charmé par l'élégance raffinée de ses sonorités électroniques précédentes (Naegi/ relevated) Pour électronique que soit ce projet dans sa forme, le fond semble cette fois bien davantage puiser dans les sphères acoustiques. A la façon d'une photo retravaillée, Kamido : Tu réassemble selon une esthétique sonore aux contours extrême orientale ses compositions, laissant ici une flûte, là une ritournelle de guitare assurer l'ossature du morceau. Des climats subtils, en proie à une dialectique Modernité/ tradition qui donnent un caractère tantôt rythmique (petite aspérités), tantôt limpide à ses mélodies légères et dépaysantes rappelant en cela les goûts certains d'artistes de chez Mezig. Les titres seront bientôt intégralement en ligne sur le site http://kamidotu.com . Dans l'expectative de cet heureux jour, savourons sans attendre ce très captivant envol.

GOUZY/ BLEFARI/ BERIDZE/ PRATTER 4
women No cry Vol.1
(MonikaEnterprise/La baleine)
Monika Enterprise a choisi depuis presque 40 albums de se faire l'étendard de la cause féminine, en privilégiant sans intégrisme particulier leur vision. Cependant, cette volonté affichée d'offrir une tribune aux femmes, bien que légitime, reste quelque peu dérangeante, ou tout au moins intrigante, tant les musiques électroniques/ électroacoustiques/ expérimentales ont depuis longtemps fait tomber ce carcan machiste. Toujours est-il, pour cette nouvelle production, Monika entreprise nous propose une excursion suave et douce au pays d'une musique électronique/ acoustique/féerique, ponctuée de doux passage de guitares, de disruptions, de petits contes du grand Nord, de sonorités urbaines et d'un malstrom de petits effets pervers ou joyeux qui donnent reliefs et textures aux compositions. 4 artistes, en provenance des 4 coins du monde (Buenos aires, Vienne, Tblisi (georgie) et Paris) qu'il convient de présenter : Eglantine Gouzy, la Française de l'étape, développe de petits courts métrages sonores, cartes postales mélodiques pleines de couleurs et d'exubérance rythmique. Dj résident au Pulp, elle a également joué à l'Aquaplanning, au nouveau Casino ou encore au Batofar. Catarina Pratter, investie dans les collaborations théâtrales/ sessions radio qui ici impose un minimalisme de rigueur. Tussia Beridze plus connue sous son étiquette tba (sur Max.Ernst, notamment) s'attribue la partie visuelle ( et sonore) de ce projet. Elle contribue à ce disque en déroulant une lente litanie hypnotisante, un lent travelling avant ensommeillé, où quelques effets (hand clap) héritage de ses amours pour le techno old style viennent agrémenter ces lents flux catatoniques. Très beau. Rosario Blefari, enfin, membre de Suarez, actrice et poète. Elle a précédemment enregistré Cara et Estaciones, elle dirige son label depuis l'Argentine. La réunion de ces 4 musiciennes donne au final une étrange mixtion d'électro, de worldsound ( musique balinaise/chant argentin) de phases folk post rock et de petites mélodies cristallines, qui envoûtent fréquemment nos tympans, et d'où émerge nombre de titres poignants (Gorod, Nunca, Cuet, Nuse song, Eglantine lounge) Une rencontre étonnante qui mérite une attention particulière.

ROSE FOR LULA
file under a blunt stone ep
(Autoprod/ walott@free.fr)
L'attachement qu'on peut porter à un musicien comme Jean-Louis Prades n'est pas feint ; il s'inscrit dans une longue lignée de respect et d'intégrité qui entoure les travaux d'autres artistes parmi desquels, bill Frissel, Eno et consorts. Un guitariste éclairé qui délaisse un temps son instrument pour s'attacher à produire et à défendre l'idée qu'il se fait de la musique et d'une certaine forme de démarche artistique. Rose For lula sont au nombre de 3 (Gordon, Jérémie et Xavier) qui jouent dans une confrontation rythmo-mélodique des plus classique, guitare/basse/batterie. Pourtant, il émane de leurs compositions et au-delà de leurs sons, une alchimie envoûtante, semblant provenir de cette mise en tension des climats mélodiques, toujours à la limite de surchauffer. C'est sans doute cette voix éraillée et magnifique qui tient le plus en haleine notre attention. On retrouve quelques ruptures de rythmes, petites failles séismiques de la cadence qui oblige l'auditeur à se raccrocher, mais la falaise est corrodée et la pierre est chaude. La ligne claire de la guitare, la tenue spartiate de la batterie, la chaleur sombre de la basse rappellent de manière sensible Q and Not U. Un excellent premier 5 titres.

VIRUS SYNDICATE
the work related Illness
(Planet Mu/La Baleine)
Le Hip-hop anglais, longtemps passé pour moribond malgré les tentatives originales de Roots Manuva semblent retrouver une vigueur, qui si elle ne s'exprime dans la quantité, le fait du moins dans la qualité. Issu du Grime Crew de Mandchester, le quatuor Virus Syndicate aborde avec une désinvolture crâne et un talent honteux cet album. Conçu comme un Synopsis, l'album, hautement narratif laisse défiler ses petites historiettes, anecdotes et autres contes urbains sur le mode d'un humour corrosif et communicatif. Il y est question de misogynie, de femmes, d'attitude, de pauses, de MCs qui se la pètent, de petits moments du quotidien d'une banlieue parmi tant d'autres de l'Angleterre , en somme. Dans cet esprit second degré, prompt à désamorcer les idées reçues sur le hip-hop, on pense évidemment aux Beasties Boys, même si la musique de Virus Syndicate semble résolument plus proche de collectifs/ artistes tels que Gunshot (entre autres). Planet Mu , assez avare à distiller le hip hop sur son catalogue, vient d'opérer une sévère remontée. Un virus qu'il ne tient qu'à vous d'attraper (je sais, ça fait un peu ampoulé comme fin, mais je n'avais pas de chute).

BATTERY OPERATED
re.cord (Cocosolidciti/Cargo UK)
www.cocosolidciti.com
Encore un projet extravagant et unique à porter au crédit du label Cocosolidciti, orchestré ici par Battery Operated. Projet multimédia, au croisement de l'image, de l'écrit et du son, répartis sur un livret, un cd et un DVD, " re.cord " est une synthèse du trajet oblique d'une boîte noire issue d'un crash aérien (une réplique, en fait), envoyée à 10 musiciens à travers le monde. A chacun a été demandé d'enregistrer, de filmer et d'écrire leur propre vision de l'accident mélodique et rythmique. Une incursion heureuse dans l'univers d'artistes, parmi lesquels quelques incontournables, à qui l'on doit quelques magnifiques heures de sculpture du matériau sonore. L'ensemble a ensuite été remixé, remis en forme par Battery Operated, qui a acclimaté l'une à l'autre chaque source, agençant dans un patient travail d'archivage cette banque de données de sons, d'images et d'écrits. Les intervenants, à présent. En commençant par les barons, depuis Richard H Kirk, monsieur Cabaret Voltaire, Michael Morley (The Dead C/ Gate), Freiband (Frans de Waard de Goem/ Kapotte Muzik) et Kurt Ralske (Ultra vivid scene, 242 pilots) auxquels viennent s'adjoindre la sémillante Sachiko M, Mathias Delplanque qu'on a vu traîner sur Lena et Quatermass ainsi que Pretty Boy Crossover et Identification, transfuge du label Cocosolid. Au final, on est face à une mosaïque compacte, ode à la musique électronique depuis ses tournures mélodiques et (a)rythmiques jusqu'à ses sombres penchants expérimentaux. L'auditeur devient au fil de l'écoute captif de cette armature souple, fruit du changement, de la bifurcation et des mutations texturelles des profondeurs ; une écoute attentive, qui à la façon d'un crash annoncé, lui accorde une position de spectateur/voyeur. Un voyage au cœur du son et de l'imprévu que ne renierait pas Virilio et sa philosophie de l'accident. Eminemment conseillé !

SHITMAT
the lesser Spotted burberry
(Planet Mu/ La Baleine)
4 courtes et épileptiques compositions, mélange de beat agressifs de raga old school, break beat, musique récursive. Henri Collins, l'homme derrière es machines derrière Shitmat n'a visiblement rien perdu de son ardeur et de sa passion. Pas de trêve des confiseurs pour SHITMAT qui après Kilababylonkutz et full english breakfast, ne donne aucun signe de faiblesse. Un Prédicateur du rythme et des mélodies chaotiques ou ravageuses, c'est selon, qui donne un bon coup d'adrénaline à nos enceintes.
www.planet-mu.com

Behfa Helsinky Kahem Vs Wimp
(Lo fi electronic musique sur papier cramé)
Lo-fi electronic musique sur papier cramé renvoie dans les cordes 10 années d'élucubrations et de perditions de la musique électronique, occupée qu'elle était à se perdre dans des divagations de productions soignées, de calculs mercantiles ou de mise à plat intellectuelle pompeuse. Sous couvert d'une pochette photocopiée à l'arrache au format carte postale, et d'un concept simple ; se diffuser par le bouche à oreille hors des circuits commerciaux, ce petit label, qui tient davantage de la communauté d'esprit et de l'émulation créatrice, diffuse ses CD'r vierges à qui veut bien lui en envoyer. La production ici entre nos mains est l'œuvre de Bhefa Helsinky, pseudonyme, semble t'il, qui distribue ici un mixe vigoureux, échevelé de ses goûts en matière de sons électroniques. Une synthèse de genres qui englobe avec énergie la didactique de Schematic à l'esthétique radicale d'un Warp ou l'esprit Foutraque d'un Rephlex/ Planet Mu . Viennent s'adjoindre à ses mixes quelques créations personnelles signées Behfa Helsinky. La forme est Lo-fi, un son sale et inavouable et pour Fond, une économie de moyen mis au service de la création. Sans foudroyer d'allégresse, les compositions éclairent pourtant d'une belle luminosité notre attention.

V/a MUSIC FOR HEROES
(Hydrogen Dukebox/ La Baleine)
Hydrogen Dukebox nous envoie régulièrement ses nouvelles depuis plusieurs années, laissant nos oreilles se familiariser avec les artistes variés qui composent sa sphère. C'est ici sous la forme d'un Low Priced Sampler, qu'on découvre ou redécouvre l'univers joyeux et enchanté du label. Celui-ci cultive un goût large pour les musiques électroniques, depuis les formats electro minimale de A1 people aux ambiances désœuvrées de Metamatics, pour les deux fleurons du label. On aura plaisir à découvrir certains nouveaux venus…dont les performances les plus marquantes restent The Experiment, Lithium Project, Pentatonik, Plumbline, Chamber, Technova, Slab. Une très concluante entrée en matière, pas d'une originalité débordante mais qui a valeur de témoin d'une époque.

TISOLE We Are Monster (Playhouse/ La baleine)
CAPTAIN COMATOS Up in Flames (Playhouse/La baleine)
Playhouse contribue depuis presque 15 ans à dépoussiérer le linoléum étincelant de la musique électronique dans ses divisions House/ Deep House / Ambiant. A mon sens, voici l'exemple type de ce que ces genres et ce label peuvent produire de mieux et de plus tragique. Isolé, Rajko Muller en premier lieu, qui mérite autant qu'au premier jour les louanges qu'on avait pu faire à la sortie de son précédent album, Rest et surtout son maxi taillé pour les pistes " Beau mot plage "une house raffinée et intelligente, savamment rythmée, toujours prompte à changer de directions, modifier le schéma de sa logique interne, pour surprendre et fuir les conventions. Une certaine idée de la house à découvrir dans l'urgence. A l'opposé Captain Comatos, qui sans conteste continue à considérer ce genre comme une membrane molle, un corps décérébré dans lequel on peut y fourrer toutes sortes d'ingrédients et de clichés dans des dosages divers avec l'assurance d'y voir des compositions prospérer. Pourtant, c'est loin d'être le cas. A ce demander si Captain Comatos n'a pas un penchant masochiste et fini par ne donner des coups (Beat) qu'à lui-même.

DAMON AARON
Ballast
(Plug Research/ La Baleine)
Il est rare de trouver une telle simplicité au détour d'un album. Au croisé du folk et d'une certaine forme de soul intimiste, Damon Aaron assume ici un album mature et d'une sérénité chaude. A l'instar du titre, Ballast, chaque son, chaque sonorité est un appel suave à la légèreté, une clameur à l'apesanteur et la liberté qui prend diverses formes et appellations… my way home, Roadmaps, Freedom, over and done with, theme from the ballast. Damon Aaron libère au fil de ses compositions, ses angoisses et ses doutes, gagnant peu à peu les couches supérieures de l'atmosphère pour ne plus les quitter. Les morceaux sont (cal)feutrés, embaumant les fragrances de feux de bois nocturne et estival. Qu'on prenne pour exemple cet Intro à la teneur soul 70', roadmaps et sa ligne de basse chaude et rotonde ou encore Freedom et ses arpèges calleux, rappelant en cela sa participation au dernier album de Telefon Tel Aviv (I lied). Plug Research continue à phosphorer dans les méandres d'un genre déjà creusé par Daedalus , Sofa Surfar, Build an ark, entre autres. Certains trouveront les compositions par trop limpides ou produites (à quelques moments), c'est selon l'avis de chacun ; Toujours est-il qu'il plane sur cet album quelque chose d'un Gil Scott Heron, Tommy Guerrero (lui aussi originaire de LA) , d'un Donny Hathaway ou d'un Nick Drake qui aurait enfin trouvé la sérénité. Un bel exemple de complémentarité. Très beau.

THEE SILVER MT ZION MEMORIAL ORCHESTRA & TRA-LA-LA BAND
horses on the sky
(Constellation / Southern)
Tout semble avoir à peu prés été dit sur Constellation et les artistes que le label abrite. Chaque mot, chaque image évoquée a été jetée en pâture au lecteur/ auditeur avide de nouvelles sonorités. La plus belle louange comme les moins affables critiques ont tenté de percer à jour l'alchimie surréaliste / magique /étrange qui compose l'univers du label et de ses auteurs, parmi lequel, The Silver Mt Zion, étendard malgré eux à l'instar de GSYBE d'un courant pastoral médiatisé. Certes, les temps ont changé, certes la surprise est l'engouement ont sans doute baissé un peu l'échine, mais, à bien écouter notre cœur, on sait que chaque nouvelle sortie du groupe est un petit émerveillement en soi. En premier lieu, c'est l'évidence de ces pochettes… magnifiques, subtiles, inondant de beauté nos iris qui viennent caresser notre âme, frapper notre esprit. Constance dans la foi en le digipack et ses splendides alternances de calques, de papiers gaufrés, de collages surréels et envoûtants. La musique ensuite, qui loin de tout immobilisme, n'a jamais cessé de se recréer, d'évoluer [à la manière du nom du groupe qui se réinvente sans cesse], préférant le risque de la chute à l'assurance de la stabilité. Horses in the sky dépeint à nouveau des champs immenses, pastoraux, où l'air, laissé à lui-même semble impossible à contraindre, les nuages ondulant et fluctuant semblant singer pour l'heure ces chevaux dans le ciel. Pourtant les paysages ont changé, on entend ici et là des rires d'enfants, des rythmes issus des profondeurs du continent noir, des chants de la genèse du monde, en provenance d'Asie, d'Amérique latine ou d'Afrique. Une musique contemporaine et intime, qui embrasse la simple beauté du monde, sans fioriture ni détails pompiers. Encore quelques moments uniques à porter au crédit de ce groupe canadien, incontestablement irremplaçable.

BOOGERS in your heads
(Travaux Publics/ www.travaux-publics.org)
Tout à commencé, comme bien souvent par des cassettes, quelques démos échangées sous le manteau, des pochettes reproduites à l'arrache, sans fioritures, des morceaux pour lesquels le terme lo-fi signifiaient quelque chose ; Des compositions pleines d'énergie, d'humanité, plutôt orientées Pop-folk dans le prolongement d'un Lou Barlow, Voilà pour la genèse de Boogers. BOOGERs, de son vrai patronyme Stéphane Charasse, est le spectateur -acteur privilégié de 15 années d'activisme musical sur la scène tourangelle. Musicien au sein de groupe Hardcore mélodique (Concrete Idea), de collectifs punk ska (Booby Hatch), de projet parallèle groovy (Les Playboy/ The anilenoxx) il a intégré depuis bientôt 2 ans le Neue Band du sieur STEINER. Après diverses apparitions scéniques remarquées (avec ses alter égo Olive'Yeah et Alain " Hosson ") 2 maxis (Moustache/ Rock me babe), des morceaux épars pour Travaux Publics, Heafy, les Inrocks …Boogers voit enfin se formaliser en un disque plusieurs années d'excursions internes, de réflexions mélodiques dansantes et drôles.

Le résultat est à l'image du personnage, sans attaches particulières, sans prédilections pour un genre. La musique de Boogers est un miscellanées foutraque de hip-hop, de bossa, d'électro-punk (le tube Treat me like a dog !), de folk lo-fi, ,de hardcore mélodique, de Dub,de big-beat, de gros rock lascif Stoogien ! In Your Heads cultive un caractère pour la schizophrénique, développant un appétit sans limite pour l'énergie sale du punk et en parallèle un amour sans pareil pour les belles mélodies, le groove et les rythmiques souples. L'album à l'image de son auteur possède ses 2 facettes. Sur les premiers morceaux, on sent une proximité d'esprit avec Rubin Steiner, on le retrouve au mixage) ou des artistes de l'acabit de Beck ; Le traitement de sons,les sonorités absurdes, les riffs de guitares, des bruits non inventoriés d'harmonica, de petits samples d'annonces désuètes et de bribes d'émissions radio, de jouets pour enfant, tout ce qui fait la marque de fabrique des live de Boogers. D'apparences désordonnées, In Your head, est une synthèse, un assemblage cohérent avec la voix de son maître comme fil conducteur, dans un registre tantôt vindicatif, tantôt posé. Il faut laisser pénétrer cet album pour s'en approprier toutes les subtilités et la richesse jubilatoire. Des tubes à la pelle, aux premiers titres desquels You/you, End of the Summer, Jacomo, Treat me like a dog…. Un esprit libre, sans œillères, qui ne se prend pas au sérieux et un album, qui maintenant, nous obligera à le prendre au sérieux. Très bon.

DAC CROWELL 04-83 (SUILVEN recordings/www.matamore.net/meridians)
DAC CROWELL/ KURT DOLES Mercury (SUILVEN recordings/www.matamore.net/meridians)
DANIEL PATRICK QUINN & BEANO JAMESON s/t (SUILVEN recordings/www.matamore.net /meridians)
L'intérêt de structures telles que Meridians (distributeur VPC), n'est plus à démontrer. Elle s'inscrit dans cette longue lignée de pionniers et autres curieux du son, qui loin de simplement découvrir des pans oubliés des chapelles contemporaines, oeuvrent à leur redécouverte, et ce, dans le cadre exigu de leurs possibilités (financière, technique, horaire). Pour être franc, le label Suilven rec et les artistes affiliés à cette scène m'étaient inconnus. Un lacune culturelle vite oubliée à l'écoute de ces 3 disques 2 albums et un maxi, en fait, attachés à transcrire la vibrante beauté d'une ambiante atmosphérique minimale, partie prenante dans les sphères noisy éthérées de labels tels que Circa rec (bark Psychosis) Soleilmoon, Drunkenfish ou encore Kranky (Star Of the lid, entre autre) Un amour pour la brume, l'horizontalité et les ondes qui ne se dément pas au fil de la discographie de Dac Crowell. Le parcours de Dac Crowell est des plus intéressants puisqu'il met en lumière une charnière ombrée de la musique contemporaine perdue quelque part entre musique d'Avant-garde, minimalisme, Krautrock , ambiant et Punk. Son parcours musical quoique aiguisé semble assez logique. Né à Nashville, son instinct naturel pour la belle chose lui intime de négliger le blues et son impérissable guitare pour consacrer son attention à l'étude du piano, de la clarinette et du chant. Très tôt, il porte une attention aux musiques nouvelles, notamment en assistant à un concert en 1969 du multi-instrumentiste David Rosenboom, pionnier de la musique expérimentale. De proche en proche, il accède à un monde insoupçonné et merveilleux qui le mène des musiques d'avant garde ( Stockhausen, John Cage, Pauline Oliveros, , Robert Ashley, Alvin Lucier, gyorgi Ligeti ) à la musique minimale (John Adams, Gavin Bryars, La monte Young, terry Riley) puis quelques années suivantes au Krautrock (Cluster, Neu ! Can Ash Ra Temple, Krafwerk) Harmonia, pour finir sur l'ambiante, Tangerine Dream , Klaus Shultz, et Eno. En 1976, il a 15 ans et s'éprend des musiques punk dans leur optique la plus industrielle, (Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire, SPK) et le jazz.. Vous l'aurez compris, DacCrowell est un auditeur averti mais qui à la différence de beaucoup d'autres, a très tôt su opérer un tri sélectif et écouter le sourd penchant de son cœur. . A retrospective of works by Dac Crowell 04-83 est une splendide introduction, une prémisse de présentation pour ce qui pourrait bien se révéler à terme une formidable anthologie Même si depuis 1984, certains de ses champs d'investigations sonores ont connu quelques modèlements , Dac Crowell, en près de 25 années d'études est pourtant resté fidèle à ses préceptes, explorant la texture d'une musique électroacoustique/ minimale/ Ambiente dans toutes les étendues de sa géométrie (profondeur, hauteur, longueur). D'une approche ambiante Dark Minimale (rising invocations) à ses débuts, il laisse pesamment, au fil des années dériver ses travaux vers des berges où crescendo extatique et nappes oniriques submergent l'écoute. Ce sera Ahnomia, en 1989. 15 ans plus tard, il livre un album d'une épure parfaite, sonar acoustique, occasionnant de sourdes pulsations immergées en profondeurs. Sans doute pour fuir le statisme ou la renommée, il va inscrire ses productions dans une trajectoire sans fin, laissant des bribes de ses enregistrements sur divers labels à travers le monde, depuis l'Espagne (The Last Frontier/dominio dos deus), la Finlande ( Avaruusromua), Zagrehb (Inner space), le Canada (feedback monitor) ou les Etats Unis (Wrek). Sur 04-83, Crowell tisse sur un tempo sourd et lancinant qui enivre l'auditeur dans une sorte de mélopée méditative/ un vertigo anesthésiant. La profonde marche qu'engendre ce disque est à porter au crédit des infra bass qui se développent patiemment au fil des morceaux. Des basses qui infiltrent chaque portion de l'espace et du territoire qu'elle traverse littéralement. Une vibration diffuse, implacable qui semble entrer en écho avec notre rythme biologique à mesure qu'elle progresse. Un trouble étonnant et passionnant. Lorsque Dac Crowell s'affiche avec son acolyte Kurt Doles, la stratégie ambiante dévie un peu de son axe. Elle adopte un tournure plus liturgique, voire biologique (microcosme, sonorité moléculaire) qui tient pour beaucoup de sa paternité avec Kurt Doles. Une imbrication de sons cristallins, lumineux, transparents qui loin de tailler, corrode et émousse notre esprit, le laissant divaguer à quelques espaces surréalistes et infinis. Les amateurs de Vidma Ob mana, James Johnson Brian Eno ou Thorn Brennan apprécieront sans nul doute Daniel Patrick Quinn & Beano Jameson clôt cette première approche du label . DP Quinn est le maître d'œuvre du label Suilven. Il a à son actif 3 albums (The Winter Hills/ Jura/ Severed from the Land) ainsi que cet éponyme dernier album en collaboration. Travaillant à partir de synthétiseur, trompette, violon cello, basse, harp, percussion et d'éléments concrets ( cloche d'église ) sa musique évoque à la fois d'immense étendues pastorales où la quiétude et le souffle du vent se susurrent quelques frêles paroles doublé d'un univers profondément environnemental. Une musique d'une limpidité absolue, comme si les plus beaux arrangements de l'altra et de hood, évidé de toutes fioritures avaient étaient dilués dans l'eau d'un lac. Un album qui rend ses lettres de noblesse au terme, souvent galvaudé, d'ambiante. Splendide.

ELECTRONIC MUSIC COMPOSER
Abandon Music
(Planet Mu/ La Baleine)
www.planet-mu.com
La rencontre de Ian Read et Eight Frozen Modules (Ken Gibson) n'est évidemment pas une sinécure [ce dernier a déjà inondé les plates-bandes de Kompakt, Orthlorng Musork ou Tigerbeat6] Abandon Music est une lente plongée névrotique au pays des cut-up, de mix, de booty émoussés, de délires numériques, de flow majestueux, de groove et de beat chauds, une certaine idée du chaos sonore en plus. Electronic Music Composer , ou la lente litanie de compositions qui déroulent à une cadence surréelle leurs flots de Glitchs bleep, click'n break, heavy sound et d'attaques acides sur fond de compositions Dance-hall. Un joli bordel sonore orchestré, une saleté de réussite qui tombe à propos avec le retour des beaux jours ! Un feu d'artifice dans une nuit étoilée. Très conseillé.

STEEPLE REMOVE
deput ep
(Thirs side rec/ Chronowax)
Il est de ces groupes qui semblent avoir toujours été là, auréolé d'une présence atemporelle. Sans doute la lecture assidue de fanzines (Peace Warrior, Octopus, R&C) aura été une prémisse heureuse à la connaissance de ce groupe, basé à Rouen. Après une première expérience ayant eu valeur de référence sur Sordide Sentimental ( Joy Division, Throbbing Gristle, Genesis P Orridge) en 1998, nos français se dissipent un peu , parcourent l'Europe, œuvrent à ne pas se laisser enfermer dans une appellation No Wave- experimentale leurs travaux et travaillent avec Burgalat, Syd Matters,etc… Pour autant , ils n'ont pas renié les fleurons de leur amours de jeunesses, citant à loisir dans les interviews Faust, Kraftwerk, Joy Division, My Bloody Valentines, Can, Gainsbourg) etc.. Ce court ep, sorti sur 3rd Side Records développe sur ces amours immodérés, nous plongeant le temps de 5 morceaux concis dans des exhalaisons noisy, atmosphériques voir ambiantes où les superpositions de guitares en strates et les Fuzz sont à l'honneur; Ça sonne étrangement ancien, donnant parfois à la tournure des morceaux un air de reprises. Des titres pourtant ensorcellant tel ce Dans la solitude des grands rayons lumineux magnifique. Les 5 de Steeple Remove gardent le flambeau bien haut et assurent une passation hautement intéressante.

KONONO N°1
Lubuaku
(Live in Vera, Groningen, Holland)
(TERP/ Socadisc)
The Ex a toujours fait montre d'une redoutable détermination à briser les écueils, dévisser les idées reçues. En offrant à Mingiedi Mawangu et son projet Konono N°1 l'opportunité de tourner en Europe, rencontrer un public plus large, issu des musiques alternatives, The Ex, aidé en cela de Tony Vander eecken, offre une ouverture de pensée relativement rare, même dans le milieu indé. Enregistré hors de leur terre natale de Kinshasa (Congo) ce disque est la retranscription de leur live donné à Groningen en Hollande sous la houlette de The Ex. Loin d'être spécialisé dans les musiques africaines, traité de Konono n°1 revient à un exercice délicat duquel on peut tout au moins se sortir en évoquant les aspects techniques. Des instruments, Likembe (piano à tube acoustique ou électrique), bricolé de toutes pièces que n'aurait pas renié Harry Partch, à partir d'éléments de récupération pots d'échappements, tuyaux, gouttières ; des micro-capteurs sont faits de parties de démarreurs de voitures martelées et de fil de cuivres enroulés à la main..Ect.… A cela viennent s'ajouter 3 percussionnistes, deux chanteurs, trois danseuses et le " président " maître de cérémonie Mawangu. KONONO n°1, orchestre tout puissant Likembe synthétise au fil de ses compositions une musique festive, vibrante, pleine d'une vibrante humanité, rapide et puissante comme peuvent l'être ces musiques d'urgences que sont le rock ou le punk .. Pour autant, leur musique se veut aussi plus introspective, plus inclassable, privilégiant, au chant ou aux instruments, c'est selon, des expérimentations, ajoutant à leurs compositions des détails d'ornementations punk. Au départ sceptique, on est rapidement emporté par cette musique dont on ne sait réellement la provenance ni l'époque à laquelle elle a bien pu être écrite. Quelque part entre Fela, l'improvisation, le free et l'énergie du punk façon Dog Faced Herman/ The Ex. D'une humanité rare.

OKKERVIL RIVER
Black Sheep boy
(Jagjaguwar/Chronowax)
Le folk Pastoral d'Okkervil River se nourrit de la mythologie du Grand ouest Américain pour alimenter en anecdotes ses petites allégories contemporaines. Le prestigieux Label Jagjaguwar a d'ailleurs planté sa ligne éditoriale tel un Hérault dans le désert de Mojave, au carrefour des alizés des musiques progressives minimalistes (Richard Youngs, Spokane) Psyche pop (Manishevitz, Black Moutain) , Rock Aérien (Bevel) et folk pastoral (Julie Doiron, Skygreen Leopards, Simon Joyner), etc. Rapprochant pour beaucoup l'esthétique du label de confrères tels que Drunken Fish ou Dexter Cigars Loin d'être des inconnus dans la prairie, le groupe nous avait par le passé retourné le cœur à l'occasion d'un split album en compagnie de la fragile voix de Julie Doiron. L'esprit d'Okkervil River, porté par la voix éraillée et le timbre tanné de Will Sheff se révélait d'une poignante beauté sauvage qui nous faisait déjà à l'époque méditer sur les possibles séquelles de cette country Musique hantée Black Sheep Boy, bien que différent dans sa forme se révèle aussi porteur de cet esprit sauvage que le médiateur d'une certaine forme de poésie ou de bucolisme. L'état de grâce est bien présent, dès les premiers arrangements. La douce mélancolie qui émane est bien évidemment à porter dans une large part au crédit de son chanteur. Pourtant, la beauté sobre de leur country folk amène aussi son cortège de belles révérences. Après Don't fall in love with eveyone see, down the river of golden dreams, Sleep and wake-up songs et for Real, Black Sheep boys entérine définitivement Okkervil River dans un trio de tête aux côtés de Will Oldham, The Palace Brothers, Nicolas Dunger et autres artistes de cette classe.

SUPERSYSTEM
Always never Again
(Touch and GO/ Chronowax)
Quartet furieux en provenance des Etats Unis, SUPERSYSTEM (anciennement El GUAPO - à ne pas confondre avec Guapo) s'était fait connaître au détour de ses 2 précédents albums sur Dischord. Ils resurgissent sur Touch and Go avec un album Always never again combine plus qu'avant encore un genre transversal où hargne viscérale du punk, débauche du free jazz, chaleur incandescente du Dance Hall se côtoient. ça paraît assez peu évident à réaliser sur le papier, mais pourtant à bien y regarder, ça fonctionne merveilleusement donnant à écouter une synthèse improbable entre Pixies, B ad Brains, Suicide, les Beasties Boys et Kraftwerk/ LCD sound system Le chant est assuré par Justin Moyer (il s'occupe des parties de Bass également) Pete Cafarella est au clavier (il bosse avec les Raptures, tiens donc…) SUPERSYSTEM est un groupe dont la musique est ancrée dans l'air du temps, tiraillé par sa droite par l'hédoniste enjoué, la légèreté ou la froideur calculée des musiques Dancefloor/ électronique/ synthétique/postindustrielle et par sa gauche par la folle embellie d'un rock vivace. Un peu trop produit par moments, (le synthé sonne vraiment vieille techno par instants ) on retrouve pourtant l'esprit de la no-wave, de the raptured ou du LCD sound system Une musique de compromis sans (trop de) compromis, en somme. Assez bon

TEAMFOREST
Let's get away from here ep
(Starving But Happy/ meridians)
Philipp Bückle, à à peine 26 ans, a déjà derrière lui une belle production, qui comme chez beaucoup de musiciens de sa génération est disséminée sur autant de labels et sous autant de formes que son talent le lui permet. Ainsi, outre un parterre intéressant de remixes réalisés pour des artistes tels que Laudanum, Missouri, Margo, Kinderzimmer Porductions, Transistor six Surgarcane, Nq, ect…il a également forfaité un album concept autour de thématiques universelles (la peur, l'amour) et divers ep sur une kyrielle de labels qu'il soit question de Morr music, Vanishing Vanity Music, Standad Sjöbuse Rec Sa musique, quant à elle est une entente entre des combinaisons d'instruments acoustiques emportant dans un flot d'arpèges de percussions douces des atmosphères mélancoliques et une électronica instinctive qui distille un nappage de beat synthétique comme une pluie douce de pixels. Outre le morceau Alison, reprise de Slowdive réalisé pour la compile Blue Skied an 'clear, on retrouve 2 titres dont l'originalité tient beaucoup au caractère Ill Pop vaporeux qui s'en dégage, sustenté par les voix heureuses d'invités illustres ( depuis Phonem, Ckid à Jessica Bailiff) rappelant à des degrés divers, The Notwist, Fourtet ,Isan ou plus largement l'esprit d'un 13 & God ou les remixes récents de Lali Puna (Dntel, Sixtoo,..) Cold (et ses jolies sonorités lancinantes) et Grounded for the week end s'inscrivant dans le joli savoir-faire d'électronica subtilement désœuvrées dans lequel le jeune allemand a élu domicile. Très bon. 5 titres à télécharger sur le site du Jeune et prometteur Web label Starving But Happy.. www.starvingbuthappy.tk

CHRISTIAN WALLUMROD ENSEMBLE
A year from Easter
(ECM/ UNIVERSAL)
L'univers de Christian Wallumrod est à la croisée des expériences humaines, musicales, géographiques. Malgré son jeune âge, la pratique assidue du piano lui aura permis de s'émanciper tôt des contraintes et des discours académiques pour utiliser ce talent de pianiste et d'harmoniste aux seules fins de son univers. L'album est versatile, changeant, transitoire… il livre certaines pistes puis les efface d'un revers de clavier. Pour en synthétiser l'essence, on pourrait imaginer les gymnopédies d'Erik Satie mâtinées de musique de chambre, heurtées par les lentes digressions harmoniques d'un Nils Peter Moldvaert ou d'un Anouar Brahem. A cela viennent s'adjoindre quelques incursions jazzy/expériences sonores bâties en grande part autour des tentatives de l'intéressé via ses Toy piano et d'autres part avec la fructueuse émulation avec ses musiciens ; Arve Henriksen (trumpette), Nils Okland (Violon) et Per Oddvar Johansen (Batteries). Une musique tour à tour enfantine, apaisante, solennelle, profonde et légère, traditionnel. Christian Wallumrod maîtrise les sons et la diffusion de ceux ci dans l'espace. Un album admirable qui s'écoute à toute heure du jour ou de la nuit, dans les moments les plus beaux ou les circonstances les plus accablantes, sans doute parce qu'il magnifie à chaque instant les sentiments et sensations qu'il rencontre

THE EVENS s/t
(Dischord/ Southern)
C'est la statue bonhommique d'un éléphant empaillé, gardien des clefs de cet Evens qui tient ici lieu de prologue visuel. Orchestré par Ian Mc Kay et Amy Farina (Don Zietana à la production), The EVENS est une petite intrigue pour qui aime à laisser flâner ses oreilles du côté de Washington DC. Ainsi le projet, renferme en lui beaucoup d'intimité et de sensibilité. Un side project du sieur Mc Kay( Minor Threat/ Fugazi) qui se livre ici sur le mode acoustique. Une version unplugged électrifiée où la sensibilité Pop effleure fréquemment le derme de la mélodie. De surcroît, les sonorités de guitares si particulières, et les rythmiques typiquement Dischordienne donnent caractère et profondeur à cette petite entreprise de salubrité publique. Mention spéciale aux morceaux Crude Bomb, Sara Lee, Mt Pleasant, It's matter… Touchant, intime et juste.

Tô elaeis Guineensis
(Fissur 4/ auto)
Prises de sons bruts orchestrées en novembre 2003 en Guinée, localisées en divers lieux du pays avec comme acteur central la forêt guinéenne, ce disque est décomposé en trois phases, trois étapes où s'entrecroisent et se sur impressionnent des thématiques mêlant en un tout éléments naturels, rites, mythes, quotidien, politique. Ainsi l'auteur, Thomas, au détour de ces intitulés ; refugees, Animism, Pan, Devils, Insects, Spirits, sacred places, etc. explore à nouveau, en se renouvelant les points de frictions, d'achoppement entre nature et culture. Un travail ethnologique sur le fond, environnemental dans son expression formelle où, armé de son micro, à la façon d'un Francisco Lopez, il part capter l'esprit d'un lieu, d'un peuple, d'un pays. Rires et chants, bruits et pluies nocturnes, agitations biologique, fantasmes en filigrane de la forêt.. voici un pur moment de compositions environnementales, à la hauteur des principaux artistes du genre. Un audio reportage finement ciselé, qui retranscrit avec force et expression les aspects les plus complexes comme les détails les plus fugaces de ce bout de terre d'Afrique.